Moda napreduje zaradi ustvarjalne napetosti – predvsem zaradi privlačnosti, ki jo ustvarjata nasprotna principa maksimalizma in minimalizma. Še vedno živimo v dobi maksimalizma, vendar prav to dela minimalizem še pomembnejšim, kar deloma pojasnjuje občudovanje, s katerim je bila sprejeta debitantska kolekcija Matthieuja Blazyja za Chanel med pariškim tednom mode oktobra.
Medtem ko je bila dionizična razkošnost v polnem razmahu v modnih hišah, kot je Yves Saint Laurent, se je Blazyjev apolonski konceptualizem posebej izkazal. Dizajner je svojo kariero zgradil znotraj visokih templjev strukture in strogosti – Raf Simons, Maison Margiela, Phoebe Philojev Céline, Calvin Klein. Nazadnje je deloval pri Bottega Veneta, kjer so ga opisovali kot antitezo ideji, da mora biti moda spektakel.
Zdaj je pri Chanelu združil moči z ugledno pariško hišo Charvet, da bi ustvaril srajce, skrbno krojene tako, da se nosijo odpete, s prepoznavno Chanelovo verižico, neopazno všito v rob, kar ohranja popolno težo in silhueto.
Chanelova Spring/Summer 2026 modna revija v Parizu. Foto: Kristy Sparow, Getty Images Europe
Blazyjev debi se je zgodil večer pred uradnim odprtjem razstave Minimal, spektakularnega pregleda minimalistične umetnosti, ki se odvija v Pinault Collection v središču Pariza do 19. januarja. Večina razstavljenih del prihaja iz ogromne zasebne zbirke Francoisa Pinaulta, milijarderja in ustanovitelja tistega, kar je danes luksuzni gigant Kering SA, lastnik modnih hiš, med katerimi je tudi Bottega Veneta.
Najodmevnejša poteza Keringa v tej sezoni je bila povsem maksimalistična: gruzijski oblikovalec Demna, znan po svojih izkrivljenih, grotesknih konceptih v Balenciagi, ki redno postajajo viralni na družbenih omrežjih in v luksuznih butičnih prodajalnah, je bil imenovan za kreativnega direktorja Guccija, najpomembnejše blagovne znamke skupine. Upanje je, da bo Demna, ki je v desetletju pri Balenciagi povečal prihodke za več kot petkrat, ustvaril podobno magijo tudi pri Gucciju, ki mu je prodaja v drugem četrtletju padla za 25 odstotkov v primerjavi z enakim obdobjem lani.
A dovolj je le en pogled na osupljivo minimalistično prenovo stavbe Bourse de Commerce, ki jo je zasnoval arhitekt Tadao Ando in v kateri domuje Pinault Collection, da se vidi, kje ležijo Pinaultove prave simpatije. Pravzaprav se vodič razstave za najnovejši šov odpira z njegovim citatom, v katerem minimalno umetnost opisuje kot "gonilno silo, ki me spremlja in navdihuje že več kot 50 let".
To je popolno nasprotje igrivega maksimalizma tekmeca Bernarda Arnaulta in njegovega muzeja Fondation Louis Vuitton, kjer je lahkotni in barviti poletni blokbuster David Hockney odstopil mesto prav tako obsežni, morda še bolj barviti retrospektivi Gerharda Richterja, ki traja do 2. marca.
V primeru Pinaulta ni težko razumeti, zakaj bi modni mogotec razvil obsedenost z minimalistično umetnostjo in oblikovanjem. Etos "manj je več", ki se je pojavil sredi dvajsetih let prejšnjega stoletja, ni rodil le male črne obleke Coco Chanel, temveč tudi enako brezčasni Marcel Breuerjev stol "Wassily" iz cevastega jekla. Minimalistični umetniki šestdesetih let so temu dodali še en element – poudarek na fizični, telesni izkušnji interakcije z umetniškim delom.
Minimalizem je pomenil točko preloma, ko umetnost preneha biti predvsem vizualna, ko ni več le slika na steni ali kip na podstavku, temveč se osredotoča na srečanje človeškega opazovalca s fizičnim objektom. V svojem bistvu je minimalistična umetnost teatralna: "Umetniško delo moraš doživeti s telesom," piše umetnostna zgodovinarka in kustosinja Emma Lavigne v uvodnem eseju kataloga razstave Minimal. "Mora biti naseljeno in preživeto."
Občutek, da je tvoje lastno telo postalo sestavni del pomembnega umetniškega dela, je prav tisti prostor, kjer se minimalna umetnost prepleta z modo. Popolno strukturiran kos Helmuta Langa ali Rei Kawakubo iz Comme des Garçons je skoraj nič, dokler ni oblečen: nosilec je zadnji del sestavljanke, ki vse poveže. Enako velja za mojstrovine minimalistične umetnosti – talne instalacije Carla Andrea ali kocke Donalda Judda ostanejo inertne, dokler jih ne oživi gibanje in čutna prisotnost opazovalca.
Zmeda, ki je spremljala znani nakup galerije Tate leta 1972, ko je Andrejevo delo Equivalent VIII bilo zasmehovano kot "kup opek", je odmevala podobno kot reakcija na japonske oblikovalce osemdesetih let – ne le Kawakubo, temveč tudi Yohjija Yamamota in Isseyja Miyakeja – ki so bili sprva sprejeti z nerazumevanjem.
"Veliko ljudi jih ni razumelo," pravi Melissa Marra Alvarez, kustosinja razstave Minimalism/Maximalism iz leta 2019 v Fashion Institute of Technology v New Yorku. "Njihovo delo ni poveličevalo telesa na razkošen način. Govorilo je o odnosu ženske do njene obleke in do lastnega telesa."
Moda svetu ponuja odmor od vsakdanjega življenja. Morda prav zato obdobja rasti in optimizma – vključno z dvajsetimi in šestdesetimi leti – pogosto spremlja vzpon minimalizma. Nasprotno pa je vrhunec maksimalistične mode, poosebljen v večerni obleki z rožnim vezenjem, ki jo je oblikoval Hardy Amies leta 1948, prišel takoj po grozotah druge svetovne vojne.
Danes vsakdanjik združuje eksistencialni strah z varčnostjo, ki jo povzroča inflacija, kar morda pojasnjuje, zakaj je Kering imenoval Demno na čelo svojega vodilne znamke in ga spodbudil, da naroči kratki film, poln zvezd in halucinacij, ki ga je režiral Spike Jonze. Kljub temu podjetje jasno razume pomen strukture in strogosti. V Balenciagi, kjer se rast prodaje morda končno ustavlja, je Demno zamenjal Pierpaolo Piccioli, nekdanji kreativni direktor Valentina, ki ima v svoji pisarni uokvirjen citat: "Preprostost je vrhunec prefinjenosti." Odločitev, da se vodenje modne hiše zuapa pravemu krojaču, kaže, da Kering ne želi staviti zgolj na prehodne trende.
Minimalizem je podoben, a ne enak konceptu preprostosti, ki ga utelešajo znamke, kot sta Loro Piana in The Row, kjer je poudarek bolj na udobju in brezčasnosti kot na umetniški izjavi. Kljub temu ugled teh blagovnih znamk dokazuje, kako komercialno uspešna je lahko minimalistična moda visoke kakovosti.
Po poročilih je Loro Piana tretja največja blagovna znamka v LVMH-jevi modni in usnjarski diviziji, s prihodki, ocenjenimi na skoraj 3 milijarde dolarjev letno.
Tišina minimalizma pomeni, da nikoli ne bo imel vzhičenosti in blišča, ki spremljata bolj bleščeče oblike umetnosti. Blazy verjetno nikoli ne bo tako slaven kot Demna, razstava Minimal v Pinault Collection pa bo skoraj zagotovo zasenčena z retrospektivo Richterja v Fondation Louis Vuitton.
Richterjev "Abstraktes Bild" iz leta 1992. razstavljen v Sotheby’s Londonu leta 2015. Foto: Mary Turner, Getty Images Europe
Za bogataša predstavlja Veliki Richter v dnevni sobi takoj prepoznaven statusni simbol, z maksimalno projekcijo "moči na steni". Za mnoge zbiratelje je to način, kako pokazati svoje bogastvo. Nasprotno pa delo, kot je Nobuo Sekine: Phase of Nothingness Water, razstavljeno v Bourse de Commerce, deluje bolj duhovno. Na prvi pogled razkrije zelo malo: zahteva sodelovanje opazovalca, ki mora hoditi okoli njega, premišljevati o njem in vložiti trud, da ga razume.
To se odraža tudi na trgu: rekordna cena Sekineovega dela na dražbi znaša 350.000 dolarjev, medtem ko Richter dosega 46 milijonov dolarjev. Če pogledamo Artnetovo listo "najbolj donosnih" postvojnih in sodobnih umetnikov, vidimo Warhola in Basquiata na vrhu, medtem ko minimalistični umetniki skoraj niso zastopani.
Spektakel je zabaven; enostavnost se zdi v primerjavi s tem dolgočasna. A ravno dolgočasnost je morda tisto, česar sodobna družba najbolj potrebuje. V svetu hrupa, norij in vse krajših razponov pozornosti minimalistična umetnost in moda ne nudita le temelja strogosti in konceptualne moči, temveč tudi priložnost, da postanemo zavestnejši svojega gibanja skozi prostor in čas.
.webp){kind=icon}
